La Nonesuch, etichetta
discografica cara a Philip Glass, accoglie nel suo catalogo la colonna sonora
dell’ultima, complessa, ambiziosa prova cinematografica di Darren Aronofsky,
"The Fountain – L’albero della vita". Ancora una volta a firmare la partitura di
quest’ode al potere dell’amore sul tempo e sulla vita è l’interessante Clint
Mansell, già responsabile dell’acclamato score per il primo successo
internazionale del regista, "Requiem for a dream" (2000), subito impostasi
nell’ambito delle soundtrack di culto, accontentando tanto il pubblico medio
che gli ascoltatori più esigenti capaci di apprezzarne la ricercatezza
stilistica e la retorica non comune dell’approccio alle immagini.
Caratteristiche che ritornano a definire il cimento del compositore inglese per
questa nuova pellicola, un lavoro che sembra finalmente sfatare i leciti dubbi
ipotizzanti una carriera finora sopravvissuta di rendita proprio grazie alla
larga diffusione riscontrata dal commento di inizio millennio (promosso, tra
l’altro, in cima alle preferenze di repertorio dei montatori di trailer
d’oltreoceano), anche alle luce di esperienze successive dagli esiti
altalenanti nel circuito thriller-horror. Senza dubbio una riprova delle
eccellenti capacità cine-musicali di un musicista in evidente e immutata sintonia
con Aronofsky, nonostante i sei anni di inattività del sodalizio, che per
l’occasione riallaccia anche a livello strumentale la continuità con Requiem
affidando all’intensità dei Kronos Quartet l’esecuzione della composizione –
stavolta significativamente affiancati e attraversati dalle performance rock
degli scozzesi Mogwai.
Arrivando al cuore della
partitura la vera essenza strutturale comune ai due lavori è però la matrice
minimalista, impostazione radicata nel background di Mansell nonché principio di
composizione facile all’identificazione già dalla semplice attestazione
d’appartenenza della pubblicazione nell’alveo glassiano. Prassi stilistica da
non liquidare comunque con la facilità e la diffidenza solitamente riservate
all’incursione del modulo minimale in territori cinematografici. L’arma a
doppio taglio che la musica millimetricamente reiterata può rappresentare in
simili occasioni – e lo stesso Glass ne ha francamente fatto le spese in tempi
non sospetti, rischiando di difettare per eccesso nell’ostentazione di un
registro facile alla distrazione dello spettatore fino all’abuso audiovisivo –
si rivela qui strumento unico per il giusto accompagnamento della storia;
scelta efficacissima nell’esacerbazione di un andamento narrativo meditativo
(quando non eccessivamente autoindulgente) e rarefatto; chiave di lettura
inevitabile per quel senso di stasi mutevole, di leggenda onirica, assegnato
alla trama dal regista.
Il minimalismo formale offre a
Mansell la possibilità di lavorare “a mosaico” sulla tessitura tematica dello
score, attraverso una continua elaborazione di cellule motiviche tipica della
tecnica glassiana utile alla costruzione ipnotica del racconto. La musica
circola pressoché ininterrotta dall’inizio alla fine del lungometraggio, ma Mansell
si premura di limitarne il sovraccarico continuo servendosi mirabilmente dei
due strumenti essenziali alla musica applicata e allegoricamente affini al
regime drammaturgico del film: tempo e spazio. Nel primo caso la misura della
disciplina imposta al dipanarsi ritmico/dinamico dei pentagrammi si risolve in
una monotonia tempistica che azzera la differenza tra le tre ere cronologiche
intrecciate da Aronofsky, evocando ed enfatizzando nel suo moto perpetuo
un’adesione stringente con il potere di ubiquità temporale concessa al
protagonista nell’identificazione con i suoi tre alter-ego. Ne deriva anche un
effetto di ottusa ripetitività, di circolarità continua che stacca il
tutt’altro che latente misticismo delle immagini elevandolo ad una condizione
musicale impalpabile e quindi ancor più ascetica. E’ la presa di coscienza di
una lezione di scoring eccellente, e forse anche per questo la colonna sonora
di The Fountain può essere scambiata come un’immersione totale nelle pagine
composte da Jerry Goldsmith per le altrettanto metafisiche sequenze di Vejur in
Star Trek: The Motion Picture (1979). Questa condotta evita di sconfinare nella
banalità di scrittura grazie all’uso spaziale dell’orchestrazione approntato da
Mansell: una crescita progressiva delle entrate strumentali corre
parallelamente alla stasi del movimento orizzontale curandosi di dettagliare le
necessità narrative circostanziali del girato, pur rimanendo ben ancorato alla
cavalcata a-temporale e immortale del flusso sonoro. Fino alla scatto finale,
quando un’impennata di entrambi i livelli compositivi (“Death Is The Road To
Awe”) sigla uno dei passaggi più suggestivi della pellicola in una reazione di
sapore psichedelico prima del conclusivo azzeramento sui titoli di coda: un
semplice pianoforte che riporta ad un’emotività fuori dal tempo, a quella
dolente comprensione dell’immensità siderale precedentemente relegata al
registro degli archi. Anche in questo caso uno sviluppo che ricorda grandi
precedenti, accostandosi particolarmente all’economia di scrittura del John
Williams d’annata.
Sorprendentemente esclusa dalla rosa dei candidati all’Oscar dopo la
nomination ai Golden Globe, la colonna musicale di
The Fountain si distingue
come una delle più intelligenti applicazioni minimali alla musica da film
finora proposte, in virtù di una coscienza narrativa sempre anteposta a
velleità stilisitche altrove incapaci di un dosaggio così dignitoso. E anche
alla disamina dei difetti del film, lo score rivendica un’organicità con il suo
riferimento visivo cui non si può che plaudire.
