CITAZIONI D'AUTORE
Giuliano Tomassacci 12/04/2007
Coerenza, ricerca e il confronto con Herrmann nell'ultimo sodalizio Morricone - Tornatore per il film "La sconosciuta"
Del suo disinteresse nei
confronti della melodia tradizionalmente intesa Ennio Morricone non ha mai
fatto mistero. Almeno da diversi anni a questa parte, il compositore romano, il
grande melodista di Sergio Leone e di un frangente cospicuo del cinema di
genere nazionale, ha abbandonato la ricerca dell’orecchiabilità a favore di una
sfida compositiva a suo dire di gran lunga più stimolante: quella armonica. E
in tempi non sospetti, a rimarcare questa polarizzazione dell’intento musicale,
non ha nascosto la convinzione quasi matematica di un raggiunto esaurimento
delle possibili combinazioni consonanti capaci di imprimersi epidermicamente
nell’ascoltatore/spettatore. Non stupisce dunque – letto attraverso il filtro
di una simile dichiarazione di consapevolezza – che il tema principale de La
Sconosciuta risuoni fin troppo familiare, tutt’altro che ricercato, forse
addirittura sbozzato con facile mestiere e affidato allo spartito con istintiva
routine. Inequivocabilmente morriconiano insomma, nonostante e al di là delle
necessarie attenuanti stilistiche. Cresce con enfasi degna dei migliori ariosi
del musicista, gira sull’impianto valzeristico che ha contraddistinto il suo segno
musicale per la nostalgia in numerose altre pagine vergate in precedenza, gode
della bellezza trasparente dell’orchestrazione votata agli archi e al
pianoforte. Ma non è la sua migliore invenzione, non brilla per originalità e
ricerca discorsiva – ma anzi ripercorre progressioni ultimamente riconsacrate
con La leggenda del pianista sull’oceano – pur centrando diligentemente la
dovuta funzionalità narrativa. Morricone, in effetti, si concentra su altri
frangenti. L’attenzione è ancora una volta puntigliosamente riversata sul
lessico “scomodo”, sulle costruzioni verticali che regolano instancabilmente il
clima ansiogeno del thriller impostato da Giuseppe Tornatore, sulle commistioni
ambiziose (l’elettronica sulle schegge violinistiche di “Con Scioltezza”),
sulle parentesi atonali (“Le Forbici”) e, a sorpresa, sulle contaminazioni
techno-rock-sinfoniche (l’anomalo “Flauto, Violino e Orchestra”). Ascoltando la
cura profusa nel tratteggio della suspense - attraverso episodi sospesi e
scatti in dissonanza – o ancor di più le sferzate incandescenti dei violini
smodati a lacerare l’orchestra, si consolida una convergenza tra l’esperienza
cinematografica e quella della musica da concerto, che le occasioni
torantoriane hanno gradatamente accolto con disponibilità crescente. Forse
anche per questo, con la riprova di quest’ultima collaborazione, il sodalizio
tra i due autori mantiene il suo posto di riguardo nell’attuale produzione del
compositore e in generale un elevato posizionamento nella lista moderna delle
coppie regista-compositore.
E’ soprattutto la coerenza
dialettica e l’importanza della controparte musicale nelle opere finora
condivise dal tandem (musica evidente e frequente, per qualcuno addirittura
eccessiva) che chiarisce la natura del palese omaggio a Bernard Herrmann
proposto da Morricone, in dosi alterne, tra le battute di quest’ultimo score.
Certo il film stesso, per sommi capi, rimanda a strategie hitchcockiane
inequivocabili, così da impegnare il musicista in scritture di tensione
caleidoscopica fin troppo affini alle musiche di Psycho (“Esercizio Di Stile”)
e in parafrasi di quel minimalismo espanso tanto caro al compositore del
maestro del brivido, finanche proiettando bagliori dell’immortale tema d’amore
da La donna che visse due volte (“Canzone Per Dormire”, “Con Scioltezza”). Ma
la volontà del rimando cinematografico, del citazionismo accorto è in realtà
alla base della parternship e si spande, con fragranza più o meno insistita,
dai tributi rotiani di Nuovo Cinema Paradiso a quelli de La domenica
specialmente, dalle metafore strutturali sulla musica applicata in La leggenda
del pianista sull’oceano ai revival del classicismo hollywoodiano in Malena.
Senza che la citazione intralci però le cifre esclusive della maturazione
collaborativa, come dimostrano, in questo caso, le scosse degli archi mutuate
dall’incubo ultraterreno di Una pura formalità.
Niente di nuovo ma tutto di
guadagnato allora. Si è guadagnato uno score complesso, non facile all’ascolto
poiché simbioticamente connaturato al girato, convincente su più fronti e
testimone di un’ibridazione inedita tra due personalità musicali estreme. Si è
guadagnato un altro tassello di un sodalizio eccellente che fortunatamente non
accenna a perdere colpi. Si è guadagnata, semmai ce ne fosse stato ancora
bisogno, la certezza di un musicista dalle scelte forse discutibili,
dall’approccio radicale e sovente destabilizzante, ma principalmente capace di
procurarsi nuove e insospettabili sfide formali in barba ad una carriera sempre
più senza paragoni.
